Diretor do Pompidou na Pinacoteca

Ontem, 10 de setembro, a Pinacoteca do Estado de São Paulo recebeu Alfred Pacquement, diretor do Centre Pompidou, para seminário acerca da política de descentralização e de difusão cultural baseada na criação de museus-satélite.

O primeiro tema abordado em sua fala foi "Qual a função do museu?". 

Partindo desta questão, Pacquement afirmou ser responsabilidade do museu a conservação de obras que tracem um panorama histórico de determinada época, disponibilizando-as ao público como incentivo com fins educacionais, culturais e de pesquisa. 

Em contrapartida, ele nos lembra que nos últimos anos, os museus tem-se transformado em locais de espetáculo e diversão, sem que se leve em conta sua função primordial. Neste segundo hall estariam grandes museus norte-americanos e fundações particulares que primam pelo entretenimento.

Seguindo ainda este pensamento, o palestrante coloca-nos que o mais importante de um museu é o acervo e é dele que deve-se ocupar o museu. Para ele, a obrigação da instituição cultural é pensar em como apresentar seu acervo ao público, o que apresentar, de que maneira possibilitar diferentes significações por meio dos caminhos expositivos traçados.

No Centre Pompidou, por exemplo, há mudanças anuais no percurso expositivo de um dos dois pisos que compõem o complexo, pensando em temáticas que despertem uma nova luz sobre as obras apresentadas. Houve uma mostra em que o tema tratado foi o cinema. 

Além da tradicional exposição de vídeos, que o tema suscitaria, a curadoria do museu, selecionou trabalhos modernos e contemporâneos que trouxessem em si o movimento, a possibilidade de projeção de sombras, e outras características que aludissem ao cinematográfico.

Assim, a exposição foi montada como se as salas do percurso expositivo fossem verdadeiras instalações, em que uma obra dialogasse com a outra, fosse por sua sobreposição, reflexo, projeção, etc.

Num segundo momento, Pacquement relembrou a história do Centre Pompidou, criado em 1977, numa tentativa da França inserir-se no circuito internacional de arte contemporânea. A instituição também foi proposta de criação de um ambiente multidisciplinar, no qual além das artes visuais, haveria espaço para cinema, design e arquitetura.

Ao contrário do que aconteceu com o MoMa de Nova Iorque, por exemplo, na instituição de Paris não havia uma política de aquisição das obras desejadas, com verba disponível para montar o melhor acervo possível. 

No entanto, com doações de particulares ao longo de três décadas, o Centre Pompidou conseguiu angariar obras suficientes para que não coubessem mais no espaço criado nos anos 1970.

É neste momento em que entra o terceiro ponto da palestra: a necessidade de expansão dos museus a fim de levar seu acervo ao público. Alguns museus tem utilizado como solução a criação de novas "filiais" em cidades ou países distintos.

É o caso, por exemplo do Louvre Abu Dhabi previsto para ser concluído nos Emirados Árabes ainda este ano, numa cooperação entre este país e a França, que tem como objetivo a criação de um museu universal, ou seja, com obras que vão desde a pré-história até a atualidade. 

Os Emirados Árabes pretendem converter parte de sua riqueza econômica em desenvolvimento cultural, o que inclui ainda a criação de um Guggenheim. Por falar nisso, este último tem sido alvo de críticas devido à sua instalação em Bilbao, Espanha.

Isso porque, o Guggenheim Bilbao não tem autonomia sobre suas ações, ao contrário das iniciativas francesas, que tendem a uma parceria entre os diferentes lugares.  Neste caso pode-se falar em museu satélite, pois todas as decisões partem de Nova Iorque e são apenas realizadas nesta e nas outras "filiais" da marca.

Além disso, criticou-se a falta de correspondência entre a modernidade da arquitetura do museu e a tradicionalidade das salas de exposições e percursos expositivos ali traçados.

No caso específico do Centre Pompidou, objetivou-se a criação de um outro museu fora de Paris, que abrigasse parte do acervo, mas que possuísse autonomia administrativa. 

A proposta para criação do novo espaço foi publicamente apresentada e a região da cidade de Metz, a uma hora da capital francesa, candidatou-se para receber o novo museu.

O prédio que abrigaria o Pompidou Metz foi escolhido por concurso arquitetônico - da mesma maneira que o centro de Paris -, o estado francês arcou com 20% dos custos de instalação e o restante foi financiado pela iniciativa privada local, numa aposta de valorizar a região por meio do turismo. 

Em dois anos de existência, o Pompidou Metz contou com 1,5 milhão de visitantes. De acordo com  Pacquement, este não pode ser considerado um museu-satélite, porque, apesar de exibir parte do acervo do Pompidou de Paris, não repete as exposições ali instaladas, tem curador e direção próprios, além de arcar com os próprios custos administrativos.

Uma outra ação do museu no sentido de aumentar o alcance de suas obras foi a criação do Pompidou Mobile. Trata-se de um museu itinerante que leva obras significativas do modernismo europeu a áreas que estavam fora do alcance geográfico ou sócio-cultural do centro. 

A ideia veio de um museu popular criado pela comunidade na periferia parisiense e que desejava emprestar obras no Pompidou. 

Como este espaço, apesar da bela iniciativa,  não possuía condições ideais para o acondicionamento das obras de arte, como controle de temperatura e segurança, o Pompidou resolveu desenvolver um projeto arquitetônico que pudesse se deslocar, levando arte e ações educativas a diferentes cidades francesas.

Os custos da instalação foram da ordem de 2,5 milhões de euros e o custo para cada nova exposição é de aproximadamente 200 mil euros.

Este pode ser considerado um museu-satélite, na medida em que é uma extensão do museu de Paris e de lá provém a verba para seu funcionamento bem como as decisões a respeito das obras expostas, lugares visitados e atividades propostas.

Mas, acima de tudo, esta é uma iniciativa que retoma a questão inicial da palestra, a função primordial de um museu.

Adriana Varejão no Mam

Entre 3 de setembro e 16 de dezembro a exposição Histórias às Margens exporá trabalhos de Adriana Varejão no Museu de Arte Moderna de São Paulo.

Eu conhecia pessoalmente os trabalhos da artista somente de seu pavilhão em Inhotim. Lá, apesar de bastante presente a visceralidade quase literal de seus trabalhos, há um espaço  arquitetônico enorme ao redor e uma maior variação de temática que minimizam o impacto causado por uma exposição como esta no Mam.

Aqui, a temática trabalhada privilegia o corpo e está presente em dez pequenas salas montadas no salão principal do museu.

 

Que o estranhamento e o choque façam parte da arte contemporânea, é fato. No ano passado, por meio da mostra Em nome dos artistas promovida pela Bienal tivemos acesso aos trabalhos de Damien Hist no Brasil. 

No trabalho do artista inglês o choque dos animais mortos e colocados no formol transforma-se em algo espetaculoso. Há uma crítica à sociedade, um questionamento à morte, mas há sobretudo o espetáculo. É o tubarão de 12 milhões de dólares de que nos fala Don Thompson em seu livro.

No trabalho de Varejão há uma dor tão verdadeira, que chega a comover. As vísceras saltando dos azulejos pintados, dos mapas pintados a óleo e de seus autorretratos metamorfoseadas são falsas, ou seja, réplicas feitas em outros materiais (ao contrário dos animais verdadeiros de Hist), mas a sensação que elas causam transparecem uma verdade profunda.

Vemos ainda um conhecimento histórico da arte nas referências ao barroco,  à arte chinesa.

Ontem, ao visitar a exposição, fiquei imaginando como seria essa mulher que se representou com os olhos saltados da face, que dor imensa era essa que ela sentia, que sensibilidade era essa que conseguia ver a morte histórica por trás da representação de indígenas felizes nos azulejos portugueses e transmiti-la tão sinceramente ao público.

Cheguei a ter certeza de que ela só poderia ser vegetariana como eu. Talvez porque meu estômago desse sinais de sua presença ao ver seus semelhantes lá representados.

Eis que em meio a todas estas divagações chego ao último espaço da exposição e encontro a própria artista dando uma entrevista. 

A Adriana Varejão é de uma suavidade ao falar, de uma aparência pequena, feminina, dócil e aparentemente tão equilibrada que me intrigou profundamente. 

Acho que eu estava esperando alguém externamente visceral, ativista, etc. Saí de lá cheia de dúvidas...

O colecionismo no Brasil do século XXI

Este foi o título do seminário promovido pela revista ARTE!Brasileiros no Auditório do Ibirapuera ontem.

O evento, muito bem organizado, foi composto por quatro mesas que tiveram as seguintes diretrizes: 

1) A importância das diretrizes políticas e de políticas públicas para a formação de coleções.

2) A formação de coleções públicas e privadas.

3) O que podemos fazer para que grandes coleções privadas tenham acesso ao público.

4) Formas contemporâneas de difusão: programas educacionais, acervos digitais, patrimônio material e ações efêmeras.

No primeiro destes debates, foram tratadas as dificuldades estruturais dos espaços expositivos brasileiros; a falta de políticas públicas para aquisição de obras, que evitem repetições de obras e ausências de outras; a diminuição das doações de colecionadores particulares para espaços públicos, preferindo criar espaços próprios para exposição de suas obras a fim de evitar que estas fiquem apenas nas reservas técnicas de museus; a dificuldade na aquisição de trabalhos artísticos contemporâneos por parte do governo por conta dos altos preços praticados pelo mercado.

O secretário municipal de cultura da cidade de São Paulo, Carlos Augusto Machado Calil, apresentou sua experiência na gestão da "Coleção de Arte da Cidade". Trata-se de um acervo formado por 2.800 obras em papel que esteve guardada por anos na Biblioteca Mario de Andrade e nos anos 1980 foi transferida para o CCSP - Centro Cultural São Paulo - sem nenhuma condição técnica de ser aí exibida. 

A solução encontrada foi emprestar algumas obras em comodato para a Pinacoteca do Estado durante as últimas décadas a fim de evitar a degradação e no próximo ano pretende-se ocupar a Chácara Lame, um dos espaços do Museu da Cidade - projeto que estimula a visitação de construções históricas da cidade.

Todos os palestrantes ressaltaram a importância de tornar as coleções de arte públicas, independente de sua estatização, entendendo tornar público como levar a coleção ao maior número de pessoas, ainda que com iniciativa privada. Este tipo de atitude ajudaria a diminuir o descompasso entre a potente economia brasileira e seu vergonhoso desenvolvimento social, educacional e cultural.

No entanto, o advogado Evaristo Martins de Azevedo, presidente da Comissão de Direito às Artes da OAB, lembrou que as questões legais e tributárias do país minam parte da boa vontade na concretização deste objetivo. Alguns dos exemplos que deu foram: a entrada de um prêmio como o Oscar no Brasil obriga seu ganhador a pagar altos impostos, o que faz com que este pense duas vezes antes de querer trazê-lo ao pais; a Lei Rouanet, por sua vez, fez com que as instituições públicas tivessem que lutar também por patrocínio ao invés de terem uma verba garantida para sua manutenção advinda do governo.

No segundo debate, discutiu-se a necessidade de encarar a arte como um bem comum da humanidade, nas palavras crítico, historiador e professor Frederico Morais. Para ele, a obra de arte, quando saída do ateliê não pertence mais nem a seu criador, visto que adquire novos significados. 

Ressaltou ainda sua utopia da criação de uma coleção nacional única, com catalogação de todas as obras presentes no Brasil, oferecendo maior transparência e facilidade para pesquisa e circulação. Frederico acredita que isso evitaria a repetição excessiva de obras, tendências, movimentos e curadores, contendo a especulação do mercado de arte. Fez ainda uma brincadeira com o perfil ideal de um colecionador: solteiro e sem filhos. Pois os herdeiros normalmente cercam as obras de exigências, direitos autorais e dificultam as relações com os museus.

O museólogo e curador Fábio Luiz Pereira de Magalhães comentou sobre a mudança no perfil dos colecionadores. Em primeiro lugar, estão se desfazendo de obras modernas para investir em trabalhos contemporâneos, em função da valoração do mercado. Outra característica é o crescimento do número de colecionadores jovens, com idade entre 30 e 40 anos, provenientes, sobretudo, do mercado financeiro. 

Fábio contou de sua experiência à frente Macs - Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba. Este museu foi uma iniciativa de um grupo de empresários em uma das cidades com maior PIB do Brasil e que não possuía qualquer aparelho cultural disponível para a população. O espaço se ocupa, em especial, de fotografias e arquitetura. 

Durante a mesa 3 podemos perceber as diferenças nos entraves à formação de uma coleção de arte nos Estados Unidos e na América Latina. Enquanto lá não há taxas sobre importação ou exportação de obras de arte, aqui a tributação é imensa.

Na Argentina, de acordo com o fundador do Malba - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires - , Eduardo Costantini, o imposto pago para aquisição de obras de arte é de 40%, semelhante ao valor pago sobre qualquer outro bem de consumo. Além disso, um cidadão pode doar apenas 20% de seu patrimônio para uma instituição, o restante deve ser obrigatoriamente destinado à família como herança. Estes fatos ressaltam a importância da família para a sociedade latina, mas dificultam as doações para acervos públicos.

Situação parecida foi descrita por Patrick Charpenel no México, Cecilia Fjardo-Hill na Venezuela e João Carlos de Figueiredo Ferraz no Brasil.

Este último, fundador do Instituto Figueiredo Ferraz em Ribeirão Preto foi enfático ao afirmar que não há interesse em arte e cultura no Brasil, porque não se valoriza a educação e isso é comprovado pelos impostos abusivos e pela falta de preparo e sensibilidade dos burocratas. 

Para ele, o governo não possui política de aquisição de obras e fica como urubus esperando que os colecionadores morram para garantir seus acervos sem custo. Além disso, há uma confusão por parte do estado entre cultura e lazer, vista em eventos como a Virada Cultural, quando na verdade cultura deveria estar associada à educação.

Em contrapartida, nos Estados Unidos, há incentivos para a criação de fundações e a movimentação nas artes. A fundadora da Cisneros Fontanals Art Foundation, Ella Fontanals Cisteros, contou sua experiência na criação do Museu de Arte de Miami a partir de seu acervo.

Para ela é uma obrigação social do colecionador a divulgação da arte e dos artistas, criando um mercado para estes. Assim, além das exposições, a fundação oferece prêmios a artistas jovens latino-americanos.

Por último, assistimos ao discurso de pessoas como João Cândido Portinari, que liderando o Projeto Portinari conseguiu reunir, catalogar e propagar a obra de seu pai aos recantos mais esquecidos do Brasil.

Seu relato emocionou por demonstrar que a divulgação da cultura e da arte é ainda um objetivo de idealistas apaixonados, mas que é possível realizar este sonho quando se acredita nele. João Cândido acredita que a obra de seu pai foi mais do que um arranjo de cores e formas e por isso sente o compromisso social de levar os valores tratados nas pinturas ao maior número possível de pessoas.

Vimos ainda exemplos como Inhotim, o educativo da Bienal de São Paulo e o KOS Museum of Art in Public Spaces na Dinamarca.

Mais informações na página do evento: http://www.revistabrasileiros.com.br/2012/09/04/as-novas-formas-de-difusao-da-arte/